Signos de nuestros tiempos
Desde el inicio del siglo XXI en todo el mundo se han acrecentado las preocupaciones sobre los temas sociales que han causado serios trastornos afectando la educación de niños y jóvenes, la percepción de la ética, costumbres y comportamiento y finalmente a la paz mundial.
14 Bienal Internacional del Cartel en México
Como cada dos años, el Museo Arocena se une a los esfuerzos de organizar y presentar uno de los certámenes más importantes de diseño gráfico en nuestro país: la Bienal Internacional del Cartel en México, esta vez en su decimocuarta edición. La rotunda aceptación que ha tenido esta muestra en la comunidad lagunera nos apremia a continuar la cooperación entre el Museo Arocena y la BICM.
Construir en Ladrillo. Orígenes de la arquitectura en Torreón.
El Museo Arocena continúa su línea de investigación de identidad regional y arquitectura a través de una exposición sobre las primeras edificaciones realizadas en Torreón como población urbana. El protagonista de esta historia es un material tan modesto como resistente: el ladrillo. De esa manera, desde la década de 1880 las construcciones en nuestra ciudad tuvieron como principal material, ladrillos, adobes y madera.
Fernando García Ponce. Un impulso constructivo / El mundo gráfico
En un texto publicado a mediados de los años cincuenta, el joven pintor José Luis Cuevas describió la Cortina de Nopal que impedía el acceso a nuevas manifestaciones artísticas en el territorio nacional. Esta metáfora ironizaba sobre la imposición artística a la que se veían sometidos los artistas emergentes de su tiempo, en un panorama hasta entonces dominado por una agenda nacionalista embebida por el muralismo mexicano.
Ensayo Museográfico Num. 2
El Museo Tamayo presentó en 2015 y 2016 una serie de exposiciones tituladas ensayo museográfico núm. 1, núm. 2 y núm. 3. El objetivo de las muestras fue establecer nuevas bases para comprender y complementar las líneas que conforman una de las colecciones más importantes a nivel nacional: la del propio Museo Tamayo, que reúne arte moderno y arte contemporáneo.
El discurso del silencio. Pintura de Mónica Fernández
Como parte de su programa de apoyo a la creación artística local, el Museo Arocena presenta en colaboración con la Galería Juárez 2525, la muestra Discurso del silencio. Pintura de Mónica Fernández.
La última y nos vamos. Cantinas históricas de Torreón
Cientos de negocios han abierto y cerrado sus puertas en el centro de Torreón durante los últimos ciento veinte años. Algunos han logrado tolerar el paso del tiempo, las crisis económicas, el crecimiento urbano desordenado y las modas siempre cambiantes.
Rutas de la Imagen
CalvarioAnónimo alemánÓleo sobre maderaSiglo XVIIFundación E. Arocena / Museo Arocena Un camino en común es el que ha reunido a las piezas que presentamos en esta exhibición. Estos objetos comparten origen y destino en un trayecto que inicia al ser realizados a partir de modelos diseñados por cinco artistas, y continúa siglos después al conjuntarse como parte de la colección Arocena. Además de una misma ruta, también los hila una función: ser testimonio de un momento determinante en la historia, una revolución visual que cambiaría la forma en que concebimos las imágenes, así como la expansión del territorio que éstas fueron ocupando en la vida cotidiana de una creciente cantidad de personas. Esta transformación ocurrió durante el siglo XV, momento en el que emergió con particular fuerza un vehículo que modificó profundamente la forma de transmisión de imágenes, así como su velocidad y alcance: el grabado. Las nuevas formas de reproducción, así como el aumento en la cantidad de ejemplares que podían replicarse, permitieron que cada vez más personas tuvieran acceso a imágenes, antes confinadas a sitios muy específicos como iglesias y palacios. Las rutas de comercio entre naciones y continentes abrieron camino a la circulación de estos documentos, mucho más transportables y asequibles que los lienzos destinados a la burguesía del momento. De esta manera, viajando junto con metales preciosos, especies y conquistadores, las imágenes en blanco y negro colonizaron a su vez territorios insospechados de nuestra vida cultural. La historiografía ha bautizado como grandes maestros a los artistas cuyas piezas son de tal calidad e impacto que cambiaron el rumbo de la historia del arte. Sus obras recorrieron el globo al convertirse en fuente de adaptaciones y variaciones que se enriquecieron al ser trasladadas a nuevos territorios y sentidos durante los siglos que les sucedieron. Tal es el caso de los modelos realizados por Van der Weyden, Durero, Massys, Van Dyck y Rubens, pintores a los que dedicamos cada uno de los módulos de esta exhibición. Ellos fueron generaciones de maestros y aprendices unidos por haber habitado en una misma zona cultural -el norte de la Europa continental-, lugar en el que transformaron profundamente la pintura realizada durante el renacimiento y el barroco. Pronto, sus obras fueron adaptadas al medio impreso, y con su nuevo formato les fue posible ser replicadas por pintores en España, Italia, Alemania o incluso América, lugares de creación de las obras presentes en esta muestra. Las adaptaciones del modelo original a distintos soportes y formatos, cambió también su función en muchos casos, al ser adecuadas localmente para cumplir con los requisitos de una audiencia particular, fenómeno trasladó el sentido de las imágenes originales a nuevos espacios y lugares. El Museo Arocena se enorgullece en presentar esta reflexión que narra el inicio de un profundo cambio que tendría enormes consecuencias desde ese momento: la forma en que la reproducción técnica y las rutas que tomó la imagen a partir de entonces modificaron nuestra manera de ver el arte y la vida, permeando prácticamente todos los aspectos de la cultura humana. ROGIER VAN DER WEYDEN Rogier van der Weyden (Tournai, Bélgica, 1399/1400 – Bruselas, Bélgica, 1464) es considerado uno de los grandes maestros de la escuela flamenca de pintura del siglo XV. Junto con su maestro Robert Campin y artistas como Jan van Eyck, sentó las bases para el desarrollo de la pintura naturalista en Bruselas, reflejando una gran fuerza expresiva en sus retratos y una compleja armonía en sus composiciones. Su obra es de gran influencia para artistas posteriores, y prueba de ello es el par de representaciones de Virgen con Niño que se encuentran en la colección Arocena, una siendo copia literal del original del autor flamenco y la otra resultado de la modificación del modelo inaugurado por el artista. El conmovedor gesto de ternura entre los personajes retratados y la calidad de las transparencias en el paño que cubre al niño, hicieron que la obra se convirtiera en una tipología común en el siglo XVI, y fuera retomada por grandes maestros como Hans Holbein el Viejo o Ambrosius Benson. Virgen con NiñoAnónimo españolÓleo sobre telaSiglo XVIFundación E. Arocena Virgen con niñoAnónimo flamencoÓleo sobre telaSiglo XVIFundación E. Arocena ALBERTO DURERO Alberto Durero (Núremberg, Alemania, 1471 – 1528) es el más célebre grabador del renacimiento alemán, y una esencial figura para entender la transición del gótico internacional hacia el nuevo estilo de representación naturalista en la región. Aunque también reconocido como pintor, especialmente por sus autorretratos, Durero tuvo una influencia sin precedentes debido a la circulación masiva que tuvieron sus grabados por Europa e incluso por América, siglos después de haber sido creados. Las dos pinturas que aquí se presentan reflejan interpretaciones locales de la composición creada por el grabador alemán. Mientras la versión italiana refleja con precisión los detalles presentes en la xilografía, la tabla española reproduce una pequeña parte de ésta, simplificando los rasgos y reorganizando la iconografía principal para adaptarla y centrarse en la representación de la Santísima Trinidad. La Santísima TrinidadAlberto Durero (1471 – 1528)Xilografía a fibra1511 (placa) / 1600 (impresión)Biblioteca Nacional de EspañaMadrid, España Santísima TrinidadAnónimo españolÓleo sobre maderaSiglo XVIFundación E. ArocenaMuseo Arocena QUINTEN MASSYS Quinten Massys (Lovaina, Bélgica, 1466 – 1530) es uno de los principales fundadores de la escuela flamenca de Amberes, la capital artística de la región durante el siglo XVI. Su estilo refleja fuerte influencia de predecesores flamencos como Roger van Der Weyden, pero también rasgos que provinieron del renacimiento italiano. Durante la primer parte de su vida se dedicó principalmente a representaciones religiosas, mientras que en sus últimos años destacó en el retrato y las representaciones satíricas. El motivo compositivo de las cuatro figuras presentes en las pinturas del Calvario que ahora pertenecen a la colección Arocena, proviene de un largo trayecto de transformaciones y adaptaciones del original ideado por Massys en 1520. Los delicados detalles de éste fueron simplificados por los grabadores de la época hasta converger en la tipología convencional de la que derivan las tablas aquí presentes. Otro ejemplo de la transición compositiva entre estos modelos es la Crucifixión de un autor anónimo neerlandés, ahora
Recuerdos de la Alhambra. Arquitectura Orientalista en Torreón.
El Museo Arocena presenta una exposición que documenta y valora el patrimonio arquitectónico en la ciudad de Torreón, bajo influencias orientalistas. Se trata de construcciones realizadas entre 1898 y 1940. Casas particulares, espacios y hasta empresas que reflejaron en Torreón, un estilo moderno y a la vez, una profunda tradición.
Elegía del Anáhuac. Pintura de Eric Pérez.
El toponímico Anáhuac nombra al valle de México. No obstante, para Eric Pérez (Ciudad de México, 1972) “Anáhuac” designa tanto un territorio concreto como una idea, es decir, un territorio mental. En Elegía del Anáhuac encontramos ecos de un pasado histórico y artístico que emerge como una presencia fantasmal en nuestros días.
